Publikationen

The American artist Sarah Morris talks with the curator Hans Ulrich Obrist about her films and paintings, which explore buildings, cities and structures and centers of power. The focus of the conversation is her longtime interest in urban developments, architecture and architects like Philip Johnson, Mies van der Rohe, Robert Venturi and many others. Sarah Morris (born 1967) lives and works in New York and London. Since the mid-1990s, she has been making complex abstract paintings and films. These works, are derived from close inspection of architectural details combined with a critical sensitivity to the psychology of a city and its key protagonists. She showed her work in many solo exhibitions including Hamburger Bahnhof in Berlin (2001), Palais de Tokyo in Paris (2005) and MMK in Frankfurt (2009).

What is the architect doing in the jungle? How can architects and natural scientists immerge into a fruitful dialogue to generate new insights for cross-disciplinary innovation? The book contributes to the current discussion of arts-based research taking the example of the interdisciplinary research project BiornaMetics – architecture defined By natural Patterns. Biornametics is an emerging contemporary design practice that explores a new methodology to interconnect scientific evidence with creative design in the field of architecture. The word biornametics is generated from “ornament”, referring to the famous Austrian architect adolf loos, and “biomimetics”. it is concerned with the detection of the principles behind processes of emerging and dissolving patterns in animate and inanimate nature. reflections on the architectural direction of Biornametics, issues of arts and science collaboration, and the application of the methodology show a diverse world of thoughts and approaches to the theme.

GAM.09 trägt den Titel: „Walls: Spatial Sequences“ und beschäftigt sich mit dem architektonischen Element der Wand unter dem Gesichtspunkt ihrer gegenwärtigen technologischen Erneuerung. In jüngster Zeit wird die herkömmliche Funktion von Wänden durch innovative architektonische Entwürfe sowohl konstruktiv als auch in ihrer Bedeutung erweitert. Dabei stehen nicht länger der trennende Aspekt von räumlichen Begrenzungsmauern sondern vielmehr die verbindenden Schichtungen von Wänden in einem ökologischen, städtebaulichen und soziokulturellen Sinne im Vordergrund. Die Beiträge in GAM.09 geben spannende Einblicke, wie Wände in Hinsicht auf ihre architektonischen, technologischen und kulturellen Möglichkeiten neu gedacht werden können. Indem sie die Eigenschaften, Fähigkeiten und Konstruktionsweisen von Wänden neu verhandeln, kennzeichnen sie ein klassisches Thema der Architektur als innovatives Feld des Entwurfs und der Analyse. GAM.09 is dedicated to the stratification of walls in architecture. The interest lies in the ways in which walls may be newly conceptualized. Very recent times have seen a multitude of designs, experiments, and developments that have expanded the conventional function of walls. One could propose that the traditional separation of external form and inner function be complemented by another perspective, one that articulates the wall function of lending support, securing, and retaining, together with qualities of an associative exchange between inside and outside. GAM introduces architectural designs that combine the invention of new techniques with the testing of their implementation. Walls and their functionality as an innovative field of design and analysis.

Geometry and its Applications is meant to address those who are interested in geometrical relationships, from simple plane geometry problems to difficult tasks in spatial geometry. The main emphasis is on the application of geometry in different fields such as engineering, biology, art history and music. Important geometrical terms and concepts such as multi-view projection and 3D projection, the curvature of lines and surfaces, the geometry of movement and non-Euclidian space are explained with many examples and numerous photos. Two practical tutorials round off this volume: free-hand geometrical drawing and the geometry of photography. Easy to understand tips support readers as they create their own distinctive, accurate spatial sketches.

Ästhetik x Dispositiv: Verschränkung, Überlagerung, gegenseitige Besetzung? Das Zusammenstehen dieser zwei Begriffe wirkt schrill und ruft Verwunderung hervor. Daher die dem Band zugrunde liegende Frage: Was passiert, wenn „Dispositiv“ als heuristischer Begriff verwendet wird, der es erlaubt, heterogene Elemente und Praktiken zueinander in Beziehung zu setzen, und die Entstehung neuer Erfahrungsfelder ermöglicht?  Es geht hierbei nicht um neue Theorien oder Praktiken, sondern um mannigfaltige Verhältnisse und Verbindungen, die es zu erkennen und zu nutzen gilt. Ausgehend von Michel Foucault’s Fassung des Dispositivs als einem Netz von Beziehungen und Kräfteverhältnissen, befassen sich die Autorinnen und Autoren mit ästhetischen und dispositiven Bewegungen.  Entlang von Begegnungen mit Philosophie, Film, Tanz, Musik und Photographie eröffnen die 15 Beiträge Felder der Erfahrung, deren Wechselspiel zwischen Dispositiv und Disposition, Musikalität und Medialität, Subjektivität und Subjektivierung changiert.

Kunst & Wissenschaft sind hochaktuelle Themen in Forschung, in Projekten, in Akademien und wissenschaftlichen Institutionen. Die Ausstellung “The Moderns. Revolutions in Art and Science 1890-1935““ (mumok 2009/2010)  hat Kunst und Wissenschaft einander gegenübergestellt und dafür das beginnende 20. Jahrhundert, eine Periode bahnbrechender Neuerungen in der Wissenschaft wie in der Kunst, ausgewählt. Das Buch „The Moderns. Wie das 20. Jahrhundert sich in Kunst und Wissenschaft erfunden hat“ ergänzt Elemente der Ausstellung mit wissenschaftlichen Texten. Die großen Bewegungen des Kunstgeschehens der Zeit wie Kubismus, Futurismus und die Kunstgeschichte bis heute prägende Namen wie Marcel Duchamp begegnen den wissenschaftlichen und technischen Revolutionen mit markanten Größen wie Wilhelm Röntgen, Albert Einstein und Nikola Tesla. Die Publikation gibt nicht nur einen Einblick in die Ausstellung, die von Clegg&Guttmann gestaltet war, sondern versammelt namhafte Beiträge eines anlässlich der Ausstellung im mumok veranstalteten Symposiums aus den Bereichen Kunsttheorie, Kulturwissenschaften, Philosophie und Wissenschaftsgeschichte.

Ironie, Korrektur, Transformation und Verdichtung bestimmen die Herangehensweise, mit der Roman Pfeffer den alltäglichen Gebrauchsgegenständen ebenso wie der bildenden Kunst zu Leibe rückt. Seine Arbeiten bleiben dabei nicht einem bestimmten Medium verhaftet, sondern bewegen sich spielerisch zwischen den einzelnen Gattungen, zwischen Bildhauerei, Malerei und Grafik, aber auch Fotografie und Video sowie angewandter Kunst. Der Künstler eignet sich die Welt der Kunst und die des Alltags an, operiert wie ein Naturwissenschaftler, konstruiert mathematische Formeln, ohne jedoch rationalen Gesetzmäßigkeiten zu entsprechen. Cosima Rainer und Christian Höller widmen sich in jeweils einem Essay der konzeptuellen Herangehensweise von Roman Pfeffer.

Vladimir Tatlin’s (1885–1953) world famous monument design for the III International dating back to 1919 is considered an icon of Russian constructivism. All the demands made of revolutionary design as employed by Soviet cultural propaganda were taken to an extreme in this Utopian design. Tatlin’s monument was designed to be 400 meters tall, making it one hundred meters taller than the Eiffel Tower. It stood for the belief in a new architecture with its playful ignorance of constructive logic.But could Tatlin’s monument be built today, could it have been built in 1920? Students at the Institute of Architecture of the Vienna University of Applied Arts carefully explored the constructive circumstances before they finally subjected the monument itself to a close examination. Model photos taken in 1920 were three dimensionally reconstructed with the help of the University’s geometry department. The answers to the key questions won’t be revealed here, but: they were found and are shown in the book in an engaging and exciting manner.

Die Anforderung an bildende Künstler, gut schreiben zu können, steigt gegenwärtig. Die praktische Einweisung in das Schreiben innerhalb der Kunstausbildung wird aber heute von Theoretikern dominiert. Diese Umstände können ziemlich problematisch und mit ernsthaften Konsequenzen für die Unabhängigkeit der bildenden Künstler verbunden sein.Als bildender Künstler mit besonderer Affinität zu Sprache und Schreiben ist der Autor dieser Problematik häufig begegnet und hat sie innerhalb verschiedener Lehrsituationen bearbeitet. Das vorliegende Buch verfolgt mehrere Absichten:– Auf vielen Textbeispielen basierende Analyse unterschiedlicher Haltungen von schreibenden Künstlern.  – Praktische, auf eigener Erfahrung beruhende Tipps fürs Schreiben.– Auseinandersetzung mit exemplarischen Textprojekten der Künstler Giorgio de Chirico, Jyrki Siukonen, David Hockney und Adrian Piper.– Erörterung der Spezifika von Künstler-Texten und ihrer besonderen Qualitäten.

Trotz erweiterter Kommunikationsmöglichkeiten im Zeitalter von Social Media und Netpublishing bleibt es für AutorInnen wünschenswert und spannend sich auf echten Papier gedruckt zu sehen, den eigenen Text materialisiert und greifbar wahrnehmen zu können, eine sinnlich-haptische Herausstellung. Das gedruckte Werk ist Instrument und Beweis der Schreibarbeit, kann weitergereicht werden von Hand zu Hand, dient als Vorlage für eine neuerliche Verkörperung im vorgetragenen Laut. LAUTSCHRIFT ist in diesem Sinne zu verstehen: sicht-, hör-, spürbar zu werden, ein zusammengefasster Ton aus einzelnen Stimmen, gewonnen in wochenlanger Arbeit aus Denken, Sprechen, Schreiben im Schutz des Seminars, sodann hinausgetragen in die Welt. LAUTSCHRIFT umfasst jedoch nicht nur die Stimmlagen angehender AutorInnen sondern auch die Register von Lehrenden, die in Workshops und Gesprächen Motive vorschlagen, Variationen betreuen.