Publikationen

The American artist Sarah Morris talks with the curator Hans Ulrich Obrist about her films and paintings, which explore buildings, cities and structures and centers of power. The focus of the conversation is her longtime interest in urban developments, architecture and architects like Philip Johnson, Mies van der Rohe, Robert Venturi and many others. Sarah Morris (born 1967) lives and works in New York and London. Since the mid-1990s, she has been making complex abstract paintings and films. These works, are derived from close inspection of architectural details combined with a critical sensitivity to the psychology of a city and its key protagonists. She showed her work in many solo exhibitions including Hamburger Bahnhof in Berlin (2001), Palais de Tokyo in Paris (2005) and MMK in Frankfurt (2009).

Fritz Steinkellner (geb. 1942) ist eine jener österreichischen Künstlerpersönlichkeiten, die sich Zeit ihres Schaffens am Rande des Kunstbetriebs bewegt haben. Abseits des Sogs aktueller Tendenzen hat der Künstler in den vergangenen vier Jahrzehnten ein einzigartiges Œuvre entwickelt, dessen Qualität es noch zu entdecken gilt! Das umfangreiche und vielschichtige Schaffen umfasst die Medien Zeichnung, Malerei, Druckgrafik und Objektkunst. In unterschiedlichen Werkphasen werden die zentralen Fragestellungen nach Gegenstand und Abbild, Transformation und Verwandlung, letztlich nach Wahrnehmung und Erkenntnis in immer neuen Varianten inhaltlicher Aufladung und technischer Ausführung umkreist. Die bildnerischen Mittel werden bis an die Grenzen des Möglichen herangeführt. Die faszinierende Vielfalt des Werks, verbunden in einem subtilen System geistiger und formaler Ordnungen, wird im „Arbeitsbuch“ dargestellt und spiegelt sich in seiner Gestaltung.

Der SONDERBAND nimmt  in der Publikationsreihe „Öffentliche Kunst.Kunst im öffentlichen Raum  Niederösterreich“ eine ganz besondere Stellung ein: Einerseits ist er ein Fotoband, der die Eröffnungen „Kunst im öffentlichen Raum“ im Zeitraum von 2000- 2012 dokumentiert, andererseits funktioniert der SONDERBAND durch seine einzigartige graphische Gestaltung der überlagerten Fotos als Kunstbuch der besonderen Art. Der Fotograf Wolfgang Woessner, der die Idee zu dieser Publikation hatte, hielt in 12 Jahren seiner Tätigkeit als Eröffnungsfotograf  Künstler, Kunstwerke, Besucher und Atmosphärisches  in mehr als 18.000 Fotos fest. Der SONDERBAND zeigt nun  eine Auswahl dieser Fotos, die  in einer speziellen, einzigartigen graphischen Form in Zusammenarbeit mit Bernhard Winkler konzipiert wurden.

Nach der Dokumentation über die 50er Jahre setzt das MUSA mit Ausstellung und Katalog die Aufarbeitung der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Stadt Wien fort. Von 1960 bis 1969 wurden 3.800 Kunstwerke angekauft sowie 460 Arbeiten im Zusammenhang mit Bauvorhaben („Kunst am Bau“) realisiert. Ergänzt durch spätere Erwerbungen und Schenkungen beläuft sich derzeit der Gesamtbestand auf etwa 4.300 Kunstwerke. Im öffentlichen Bewusstsein des Jahrzehnts rangierte die „Wiener Schule des Phantastischen Realismus“ unangefochten an der Spitze. Daneben gab es zahlreiche Spielarten der Abstraktion und des Realismus, die Gruppe „Wirklichkeiten“ setzte ab 1968 frische Akzente. Als wichtigster Beitrag zur internationalen Avantgarde gilt heute der damals umstrittene „Wiener Aktionismus“. Berthold Ecker beschreibt Sammlungsgeschichte und Ankaufspolitik der 60er Jahre, als Zeitzeuge gibt Wolfgang Hilger einen Einblick in den Wiener Kunstbetrieb. Mit der zwischen Stagnation und Veränderung schwankenden österreichischen Kulturpolitik setzt sich Bernhard Denscher auseinander. Monika Platzer beleuchtet „Kunst am Bau“ als Abbild eines Kommunikationsprozesses, Elisabeth Voggeneder stellt österreichische Positionen in den Kontext internationaler Tendenzen. Theresia Hauenfels bietet einen zeit- und kulturgeschichtlichen Überblick über dieses Jahrzehnt des Wandels.

Soshana wurde 1927 in Wien geboren, musste aber 1938 die Heimat verlassen. Ihr Weg führte sie nach London, New York und Jerusalem. Nach 1945 lebte sie für viele Jahre in Paris und New York, seit den 1980er Jahren wieder in Wien. Ihr Lebenswerk ist höchst umfangreich, besteht aus Malerei, Grafik und experimentellen Arbeiten. Seit den 1950er Jahren ist sie international mit Ausstellungen in Museen und Galerien präsent. Ihr Interesse an fremden Kulturen führte sie in den Nahen und Fernen Osten, nach Nord- und Südamerika, nach Afrika und in die Südsee. Die Vielfalt dieser Kulturen hat Soshana inspiriert. Davon erzählen ihre Bilder. Soshana ist eine nachdenkliche Malerin. Ihre Bildsprache ist Ausdruck inneren Erlebens. Sie greift Zeitthemen auf und stellt sie gleichberechtigt neben Landschaften und informelle Malerei. Das Werk stellt die erste umfassende Monographie über Soshana dar.

Der vorliegende Band verdankt sich einem im besten Sinn undisziplinären Vorgehen. TheoretikerInnen, KunstwissenschaftlerInnen, KünstlerInnen, KuratorInnen und KunstmanagerInnen haben sich in ganz unterschiedlichen Textsorten auf Fragen eingelassen, deren Relevanz nicht auf das Feld der Kunst beschränkt bleiben kann. Die Beiträge verdichten sich zu den großen Themenbereichen einer Forschungstheorie wie -praxis, deren zeitgemäße Seriosität sich auch daran erweist, dass sie nicht nur Kategorien und Methoden künstlerischer Forschung, sondern auch deren Prozesse und Ergebnisse gleichberechtigt zulässt. Die Beispielhaftigkeit künstlerischer Ausbildung für pädagogische Herausforderungen bildet eine weitere Ansage dieses Bandes, geht es doch jetzt und in Zukunft um einen demokratischen Bildungsbegriff, der Theorie und Anschauung auf Augenhöhe bringt.

Die Monographie zu Werk und Person Max Weilers verfolgt dessen Entwicklung von den zwanziger Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Die erste Auflage erschien 2001 und avancierte zum beliebten Hauptwerk der Max Weiler-Literatur. Die Kunst dieses großen europäischen Malers verkörpert eine spezifisch österreichische Form der internationalen Moderne. Sie spricht eine eigene Sprache und reagiert doch sensibel auf die Veränderungen der Zeit. Das Geistige in der Natur – mit dieser Formel lässt sich das Zentrum seiner Arbeit beschreiben. Weiler ist inzwischen zu einem Klassiker der Moderne geworden und zu einem populären noch dazu. In diesem Buch geht es erstmals um einen Überblick, der alle Facetten seiner Arbeit, durch die Jahrzehnte, umfasst. Im Kontext der Moderne repräsentiert dieser Einzelgänger eine eigene Position, die historisch und systematisch erschlossen wird. Für die Neuauflage wurden einige Kunstwerke neu fotografiert, Reproduktionen optimiert, sowie die Angaben zu den Sammlern der Bilder aktualisiert.

Bis heute schwingt im Begriff der Filmavantgarde der Gedanke mit, ein Film sei umso avantgardistischer, je „reiner er sei – je mehr er seine medienspezifische Bedingtheit, seine Essenz inszeniere und sich von anderen Künsten „befreie . Diesem modernistischen Diskurs des Purismus, der sich auch in der aktuellen post-medium condition hartnäckig hält, antwortet die vorliegende Studie mit einer alternativen Phänomenologie und Genealogie des Avantgardefilms, die nicht das Reine, sondern das „Unreine zum Maßstab nimmt. Mit der expanded-cinema-Aktion, dem handmade- und dem found-footage-Film stellt die Autorin dem cinéma pur ein cinéma brut gegenüber, dessen Dispositive und Praktiken sich am Schmutzigen, an Formverlust und Grenzüberschreitung orientieren. Ausgehend von kunst- und kulturtheoretischen Debatten um Materialität und Performanz, Index und Spur, werden zunächst Grundzüge des cinéma brut systematisiert, und in einem zweiten Schritt, anhand exemplarischer Analysen, Eckpunkte einer „unreinen Geschichte der europäischen und nordamerikanischen Filmavantgarde markiert.

Seit jeher arbeiten KünstlerInnen, ArchitektInnen und DesignerInnen an dem Thema „Raum . Sie teilen sich somit nicht nur ein Interesse an einer zentralen Frage von Kultur, Soziologie, Politik und Ökonomie, sondern formulieren damit auch Herangehensweisen, die sich grundlegend von einander unterscheiden. Von den Anfängen der Baukunst und der frühen Eingliederung von KünstlerInnen in Auftragssituationen, führt die Geschichte dieser Frage in eine brisante Gegenwart, in der bisherige Verhältnisse neu konstituiert zu werden scheinen. Die Rolle architektonischer, urbanistischer und territorialer Bedingungen innerhalb der zeitgenössischen Kunst und Installationskunst, das Aufgreifen von industriellen Fertigungstechniken, sowie der Einfluss von performativen, skulpturalen und partizipativen Arbeitsweisen aus der Gegenwartskunst auf Architektur und Design können als Zeichen dieses Prozesses verstanden werden. Grenzen gesellschaftlich zugeschriebener Disziplinen werden dabei verstärkt in Frage gestellt und verlangen nach alternativen Arbeitsmodellen.

Max Weilers ‘Vier Wände’ bilden einen Bilderzyklus, der in Format und Thema im Vergleich zur zeitgenössischen Kunstproduktion um die Mitte der 1970er Jahre durchaus außergewöhnlich ist. Weder der Typus Landschaft , noch die Idee einer in sich geschlossenen Bilderreihe, noch die erheblichen Dimensionen der vier Leinwände (sie messen jeweils 256 x 608 cm) entsprechen dem Kunst-Mainstream ihrer Zeit. Nur zwei Mal wurden die Bilder ausgestellt: Erstmals 1978 in der Weiler-Ausstellung ‘Wie die Natur’ in der Wiener Akademie und 1979 im Klagenfurter Künstlerhaus, letztmals 2004 im Wiener Museumsquartier in einer von Edelbert Köb kuratierten und vom Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien organisierten Ausstellung des Zyklus. (aus dem Essay von Matthias Boeckl). Das Buch dokumentiert diese Ausstellung, der großzügig bebilderte Essay von Matthias Boeckl ermöglicht eine Gesamtschau im Kontext der Kunstgeschichte.